「吹奏楽は、現代芸術音楽の分野において、最も重要かつ意義深い表現の一つであると確信しています」作曲家インタビュー：マッシモ・スガルジ氏（Massimo Sgargi） - 吹奏楽・管楽器・打楽器・クラシック音楽のWebメディア Wind Band Press

[English is below Japanese]

イタリアの作曲家マッシモ・スガルジ氏に、設問に答えて頂く形でインタビュー取材を行いました。

Wind Band Pressと同じくONSAが運営する楽譜出版事業のGolden Hearts Publicationsからも作品を出版しています。

インタビューと合わせて、ぜひチェックしてみてください。

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1. まず簡単にあなたの生い立ち、どこでどのように育ったのか、作曲家としての活動を始めたきっかけは何だったのか、などについて教えて頂けますでしょうか？

私は10代の頃からピアノを始めました。ロックバンドやダンスバンドでキーボーディストとして経験を積んだ後、20代前半で音楽院に入学し、作曲、電子音楽、合唱指揮の学位を取得しました。

しかし、私の最大の関心は常にジャズにあり、作曲家としてすぐにジャズに取り組み、オリジナル曲を演奏するグループやプロジェクトを結成してきました。特に、ジャズオーケストラの指揮者、編曲家、作曲家として豊富な経験を持っています。

私の作曲家としてのキャリアにおける転機は、吹奏楽との出会いでした。これがきっかけとなり、2018年から2023年までの5年間、ウーディネ音楽院でマルコ・ソマドッシ氏の指導のもと、吹奏楽のための作曲と楽器法の学位を取得しました。

2. あなたは多くの吹奏楽作品を発表しています。吹奏楽にどのような魅力を感じているかについて教えて頂けますか？

吹奏楽は、ここ10年間、私の情熱の源泉となっています。その独創的なレパートリーにたちまち魅了されました。吹奏楽は、現代芸術音楽の分野において、最も重要かつ意義深い表現の一つであると確信しています。

特に、20世紀後半の音楽制作における言語的な行き詰まりを難なく乗り越え、描写的な音楽、つまり、私たちの世界、情熱、感情を描写し、現実に寄り添う音楽という概念を復活させたと考えています。これは、20世紀後半に芸術音楽が完全に失ってしまった役割だと私は考えています。今日のオリジナル吹奏楽は、現代音楽のジャンルの中で最も生命力にあふれ、意義深いものであると、私は確信しています。

3. 吹奏楽曲を作曲する際、特に注意していることや心がけていること、あるいはあなた独自のルールはありますか？

作曲の観点から言えば、私が現在探求しているのは、素材の厳密な扱いと自由（この言葉が持つあらゆる曖昧さも含めて）とのバランスです。

ソナタや三部形式といった定型的な形式から脱却し、常に新鮮さで聴衆を惹きつける、より多様で直感的なものを追求することが重要だと考えています。しかしながら、旋律、リズム、和声といった素材は、極めて厳密に扱われるべきだと感じています。素材の一貫性は無意識のうちに伝わり、聴衆はそれを作品全体の統一感と構造的なバランスとして認識すると確信しています。このアプローチを基本言語として、難解すぎたり、過度に理屈っぽく聞こえたりすることなく、できる限り調和的で耳に心地よい音楽を作曲することを目指しています。

このジャンルにおいて、もう一つ重要な要素は楽器法です。吹奏楽の音楽において、この技法は非常に特殊であり、細心の注意を払って扱う必要があります。各パートのバランスや音色を適切に調整しながら、独創的で興味深い組み合わせを見つけ出すことが求められます。オーケストレーションが不十分な吹奏楽曲は、決して真に成功することはありません。

4. 作曲家として人生のターニングポイントとなった作品があれば、その作品についてのエピソードを教えて下さい。（これは吹奏楽作品でなくても構いません）

先日、グレード5の新作「Volta Stellata」を完成させました。これは、私が追求している作曲と形式的な方向性において、大きな前進であると感じています。小さな冒頭の旋律から、非常に多様で、そして願わくば魅力的な音楽的対話が展開されます。

一方、2025年のコンクールで受賞した「Canto della Terra」と「Haragei」は、同様の形式と作曲上の成果を目指しつつ、中級レベルのバンド（グレード3）に適した難易度と書法で作曲しました。このバランスを取ることも、私にとって重要な目標です。

とはいえ、まだ自分の作品に完全に満足しているわけではありません。私はまだ成長の途上にあると信じています。しかし、常にこの状態を保ち、「到達した」という感覚を抱かないでいたいと思っています。

5-a. ご自身の作曲または編曲に強く影響を受けた他の作曲家や編曲家の作品があれば、それについてどのような影響を受けたのか教えて下さい。（クラシックでなくても構いません）

それは複雑な質問です。なぜなら、私の音楽的影響は実に多岐にわたるからです。

作曲家として、私の最も根源的なインスピレーションの源泉は、古典的な制約から解放された形式を追求したドビュッシーと、和声言語の中に新たな道を切り開いたウェイン・ショーターです。吹奏楽の作曲を始めて以来、私の主要な指針となっているのは、アンドレ・ウェニャン、トーマス・ドス、ヨハン・デメイなど、数多くの作曲家たちです。さらに、マルコ・ソマドッシ先生に師事したことで、現代イタリア吹奏楽の父であり、私たち皆の師でもあるダニエレ・カルネヴァーリによってイタリアで生まれた流派の継承者であるという自覚があります。

編曲家としては、ヴィンス・メンドーザに文字通り衝撃を受けました。昨年、彼の講演にも参加しました。彼が書く小節の一つ一つに、素晴らしい何かが宿っています。少しでも彼のように編曲ができたら、それは私の夢です。

最後に、近年のイタリアで最も偉大な作曲家と言えるエンニオ・モリコーネについて触れておかなければなりません。理由は2つあります。まず、彼の旋律の巧みさです。私は旋律が大好きで、メロディアスでロマンチックなパートを書くのが何よりも好きです。次に、聴き手にはシンプルに聞こえる作品でありながら、実際には非常に奥深い構造的な洗練さを秘めているという、彼の並外れた才能です。

5-b. 上記とは別に、現代の作曲家で特に注目している作曲家がいれば理由と合わせて教えてください。

現代の吹奏楽界にはハイレベルな作曲家が数多くいるため、この質問に答えるのは容易ではありません。私が特に興味深いと思う作曲家をいくつか挙げてみたいと思います。

アメリカ人のフランク・ティケリ、サミュエル・ヘイゾ、そして特にジョン・マッキーは、私にとって大きなインスピレーションの源です。彼らは、現代音楽における最も実り豊かな潮流の本質を体現していると私は考えています。それは、20世紀半ばから現在に至るまでのあらゆる音楽的発展を包含しつつ、コミュニケーション、内容、そして聴衆との繋がりを犠牲にしない音楽言語です。それどころか、彼らはこれらの要素を創造的かつ肯定的な方法で蘇らせています。

その他、私が魅力を感じる作曲家には、エイドリアン・B・シムズ、ブライアン・バルメイジズ、デヴィッド・ビーデンベンダー、ハーディ・メルテンス、ペドロ・サリナス・ロブレス、エリカ・スヴァノー、ティモシー・ブロージェなどがいます。また、エレクトロニクスを駆使するアレックス・シャピロ、そして惜しくも早逝したイタリアの偉大な才能の一人、アンジェロ・ソルマーニにも敬意を表します。それから、イタリアの若手音楽家フェデリコ・アニェッロとフィリッポ・レッダ、そしてイタリアで数々の重要なコンクールを受賞している日本人作曲家、正門研一もいます。異なる言語を巧みに融合させる才能で私を深く感銘させた作曲家としては、メイソン・ベイツも挙げられます。

あえて批判的な意見を述べさせていただくと、いわゆる「サウンドトラック風」の作品にはあまり我慢できません。それらはどれもほとんど同じ構成で、大げさなファンファーレ、ゆったりとしたロマンチックな主題、そして壮大なフィナーレという構成です。吹奏楽のレパートリーには、こうした作品が多すぎるように感じます。

おそらく多くの作曲家を挙げすぎたかもしれませんし、他にも忘れている作曲家がたくさんいるでしょう。しかし、今日の吹奏楽界は信じられないほど活気に満ちていると確信しています（ちなみに、作曲家にとっては競争は熾烈です・・・）。

6. 将来の目標（またはこれから新たに取り組みたいこと）について教えてください。

もちろん、私は引き続き新作に取り組んでおり、主に3つの方向性に焦点を当てています。

第一に、最大限の自由度で自己表現できる高難易度の作品。第二に、先に述べたように、より幅広いバンドが演奏できるような作曲を通して、同じ形式的な概念を具現化することを目指す中難易度の作品。第三に、青少年バンドのための音楽です。これは私が深く関心を持ち、大きなやりがいを感じている分野です。若い音楽家たちの成長を助ける質の高い音楽を作曲することは、作曲家として最も重要な責務の一つだと考えています。

さらに、私は指揮にも非常に情熱を注いでいます。この仕事で最も刺激的なのは、セミプロや地域のグループを率いて、忍耐強く指導し、彼らが最高の音楽的成果を達成できるよう導くことです。現在、私は自身のバンドでこの活動に取り組んでおり、大きな充実感を得ています。

7. あなたの作品は、世界中の多くの国で演奏され、評価されていることと思います。日本の若い作曲家や作曲家を目指す日本の学生たちにアドバイスをお願いします。

まず第一に – これは当然のことのように思えるかもしれませんが – 和声と対位法を徹底的に学ぶことをお勧めします。これらの確固たる基礎こそが、音楽素材や音楽言語を自信を持って自在に操るための鍵となります。アナリーゼも同様に重要です。

さらに、吹奏楽に興味のある方は、専門家の指導のもとで楽器法を学ぶことを強くお勧めします。吹奏楽のスコアリングは複雑な作業であり、楽曲が実際にどのような響きになるかを直感的に理解するには、多くの経験が必要です。

余談ですが、私たちの仕事には、時に誤解を招く側面があります。それは、コンピューターを使った作曲です。楽譜作成ソフトでは、楽曲は多かれ少なかれ「悪くない」ように聞こえますが、これは誤解を招く可能性があります。ですから、最後に一つアドバイスを。コンピューターを鵜呑みにしないでください！

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インタビューは以上です。スガルジさん、ありがとうございました！

ぜひ多くの方にインターネット上の音源や、演奏会を通じてスガルジさんの作品に触れていただきたいと思います。

スガルジさんの作品はGolden Hearts Publicationsから出版しているほか、他社の作品もWind Band Pressと同じくONSAが運営する各店でお取り扱いしています。

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取材・文：梅本周平（Wind Band Press）
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Interview with Massimo Sgargi, composer

1. First of all, would you tell me about your background, where and how you grew up, what made you started as a composer?

I started playing piano as a teenager. After gaining experience as a keyboardist in rock and dance bands, I began my formal studies at the Conservatory in my early twenties, earning degrees in Composition, Electronic Music, and Choral Conducting.
However, my primary interest has always been jazz – a genre I approached immediately as a composer, forming groups and projects to perform original music. In particular, I have extensive experience as a conductor, arranger, and composer for jazz orchestras.
A turning point in my compositional career came with the discovery of wind bands. This led to five years of study (from 2018 to 2023) at the Conservatory of Udine, where I earned a degree in Composition and Instrumentation for Wind Orchestra under the guidance of Maestro Marco Somadossi.

2. You have published many wind band works. Would you tell me about what fascinates you about wind band music?

Wind music has been a core passion of mine for the last ten years. I was immediately fascinated by its original repertoire. I am convinced that wind band music is among the most important and significant expressions within the landscape of contemporary art music.
In particular, I believe it has effortlessly moved past the linguistic impasse of late 20th-century production, restoring the concept of descriptive music – a music that speaks and stays close to reality, describing our world, our passions, and our emotions. In my view, this was a role that art music had completely lost during the second half of the 20th century. I am firmly convinced that today’s original wind music is the most vital and meaningful among contemporary genres.

3. When composing a wind band piece, is there anything you pay special attention to, keep in mind, or have any rules of your own?

From a compositional standpoint, what interests me and what I am currently exploring is a balance between rigor in the use of material and freedom – with all the ambiguities that this word entails.
I believe it is important to break away from standardized forms (such as sonata or ternary form) and seek something more varied and intuitive that engages the listener with constant novelty. However, I feel that melodic, rhythmic, and harmonic material must be managed with great rigor. I am convinced that the coherence of the material is transmitted subconsciously, and that the listener perceives it as a sense of unity and structural balance within the piece. With this approach as my foundational language, I strive to write music that does not sound abstruse or overly cerebral, but is as harmonious and pleasing to the ear as possible.
Another crucial aspect of this genre is instrumentation. In wind music, this technique is highly specific and must be handled with obsessive care, correctly balancing sections and different timbres while striving to find original and interesting combinations. A piece for wind band that is poorly orchestrated can never truly work.

4. If you have a piece of your own work that was a turning point in your life as a composer, would you tell me the episode about that work? (This does not have to be a wind band piece)

I have recently finished a new Grade 5 piece titled ‘Volta Stellata’, which I feel is a significant step forward in the compositional and formal direction I am pursuing. From a small initial cell, a very diverse and – I hope – engaging musical discourse unfolds.
On the other hand, the two pieces that received awards in 2025 competitions, ‘Canto della Terra’ and ‘Haragei’, are works in which I sought a similar formal and compositional result, but with writing and a difficulty level suited for medium-level bands (Grade 3). I consider achieving this balance an important goal as well.
That said, I am not yet completely satisfied with my work; I believe I am still on a journey of growth. However, I hope to always remain in this state – never feeling like I have ‘arrived’…

5-a. If there are works by other composers or arrangers that have strongly influenced your composition or arrangement, would you tell me about them and how they have influenced you? (It does not have to be classical music)

That is a complex question because my influences are so diverse.
As composers, my primary and fundamental sources of inspiration are Debussy, for his search for form free from classical constraints, and Wayne Shorter, for his ability to find new paths within harmonic language. Since I began working with wind music, my major benchmarks have been Andre Waignein, Thomas Doss, and Johan De Meij, among many others. Furthermore, having studied under Maestro Marco Somadossi, I feel in a way like the heir to a school born in Italy with Daniele Carnevali, the father of modern Italian wind music and a mentor to us all.
Regarding arrangers, I was literally struck by Vince Mendoza. I even attended one of his lectures last year; there is something marvelous in every bar he writes. It would be a dream of mine to be able to emulate him, even just a little, in this.
Finally, I must mention Ennio Morricone, perhaps the greatest Italian composer of recent years, for two reasons. First, his melodic mastery – I am a great lover of melody and I adore writing melodic and romantic parts. Second, his extraordinary ability to create works that sound simple to the listener but, in reality, hide a very deep structural sophistication.

5-b. Apart from the above, would you tell me about any contemporary composers that you are particularly interested in, along with the reasons why?

This isn’t an easy question to answer either, as I find the contemporary Wind Band scene to be full of high-level composers. I’ll try to list those I find most interesting.
Americans Frank Ticheli, Samuel Hazo, and especially John Mackey are great sources of inspiration for me. In my opinion, they embody the essence of the most fruitful trends in contemporary music: a language that accounts for all musical developments from the mid-20th century to the present without sacrificing communication, content, or connection with the audience. On the contrary, they bring these elements back to life in a creative and positive way.
Other composers I find compelling include Adrian B. Sims, Brian Balmages, David Biedenbender, Hardy Mertens, Pedro Salinas Robles, Erika Svanoe, and Timothy Broege. I also admire Alex Shapiro for her use of electronics, and Angelo Sormani, one of the greatest Italian talents, who sadly passed away prematurely. Then there are two young Italian musicians, Federico Agnello and Filippo Ledda, and the Japanese composer Ken’ichi Masakado, who has won several important competitions here in Italy. Another author who deeply impressed me with his ability to blend different languages is Mason Bates.
If I may add a critical observation, I have little patience for pieces in what I call ‘soundtrack style,’ which are all virtually identical: a pompous fanfare, a slow romantic theme, and a grand finale. I believe there are far too many of them in the wind band repertoire.
I have probably cited too many composers, and surely I’ve forgotten many others, but I truly believe that the Wind Band scene today is incredibly vibrant (PS: for a composer, the competition is fierce…).

6. Would you tell me about your future goals (or what you would like to work on in the future)?

Naturally, I continue to work on new pieces, focusing on three main directions.
First, high-difficulty works where I can express myself with the greatest freedom. Second, medium-difficulty pieces where, as mentioned before, I strive to implement the same formal concepts through writing that is accessible to a wider range of bands. Third, music for youth bands – a field that interests me deeply and in which I have found great satisfaction. I believe that writing quality music to help our young musicians grow is one of our most important duties as composers.
Additionally, I am very passionate about conducting. The most stimulating part of this work is taking a semi-professional or community group and, through patience, helping them grow to achieve the highest possible musical result. I am currently pursuing this with my own band, and it is a journey that brings me a great deal of fulfillment.

7. Your works are performed and appreciated in many countries around the world. What advice would you give to young Japanese composers and Japanese students who want to become composers?

First of all – and this may seem obvious – my advice is to study harmony and counterpoint very deeply. These solid foundations are what allow you to navigate musical material and language independently and with confidence. Analysis is equally vital.
Furthermore, for those interested in wind bands, I strongly suggest studying instrumentation with an expert mentor. Scoring for wind band is a complex practice; it takes a lot of experience to intuitively understand how a piece will truly sound.
On a side note, there is an aspect of our work that can be deceptive: composing with a computer. In notation software, pieces always sound more or less ‘fine,’ and this can be misleading. So, my final piece of advice: don’t trust the computer…!

Interview and text by Shuhei Umemoto (Wind Band Press)

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